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Los mejores artistas 2010La página oficial de Los mejores artistas 2009. Arte Contemporáneo. fotos de las obras, de los artistas, fotos de las inauguraciones, comentarios, noticias, links...The best artists 2009, Contemporary Art. Les meilleurs artistes 2009, Art Contemporain. |
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El arte que pone de manifiesto la injusticia social, puede generar cambios. El proximo premio Nobel de la paz, podría ser un artista.
Los espacios, los lugares en los que vivimos, los edificios, las ciudades, la arquitectura en el Arte Contemporáneo
Salvar al mundo, la ecologia.
Nos gustaría un lenguaje universal para las imágenes...que arreglara los poblemas de incomunicacion de las personas sordas. Una minoría, con el problema de la deslocalización, minorías linguisticas repartidas por todo el mundo.
Las primeras noticias de la Documenta de Kassel 13 en 2012... Documenta de Kassel 2007. Imagenes: El Palacio de Cristal y las terrazas de cultivo de arroz de Sakarin-Krue On, "NBP" de Ricardo Basbaum y "Mar de los Pirineos" de Ibon Aranberri en el albun de fotos.
La Teoría del Caos, uno de los problemas matemáticos, más famosos explica muy bien los efectos de la globalizacion:"...podemos afirmar que una mariposa que bate sus alas en Hong Kong puede llegar a "provocar" un tornado en Kansas. (efecto mariposa)
La arquitectura y el vino dentro de los museos. Las grandes bodegas apuestan por los mejores arquitectos.
Los límites entre la foto realidad y la realidad inventada
El arte fuera de los museos, en nuestro entorno cotidiano, como si fuera un valor añadido. La moda asimila las vanguardias estéticas, el minimalismo, el pop art, la abstraccion, el arte Povera, el dada...el arte tambien se inspira en la moda, la caducidad de las cosas, la modernidad, la identidad.
El primer Centro de Arte Contemporáneo de Navarra estará gestionado por la Fundacion COFF
La identidad. La recuperacion de la cultura, tradiciones, del pueblo vasco, ha comienzado recuperando el idioma. El euskera se ha reconocido como lengua. Un ejemplo para la recuperación de otras culturas desaparecidas.
Aunque no entendamos de Arte podemos disfrutarlo...o ver videos los musicales de los mejores artistas, segun mi prima.
¿Por que la risa? Por que es tan incontrolable, e inexplicable, incluso más tangible, que el placer estético. Vamos a relajarnos...
Los nuevos templos
Espacios de Arte, centros culturales, exposiciones colectivas.
Fisiología, anatomía, epidermis...
El escenario, el guion , los focos, los actores, la accion., la iluminacion..
En los entrenamientos del equipo de atletismo del colegio casi nunca saltabamos, siempre estabamos corriendo. En las competiciones sustituia siempre a los compañeros, la carrera de 50, los 300, los 1500, los relevos, el salto de longitud, el salto de altura...nunca ganaba... pero yo era el equipo.
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2/14/2010 Francisco Ruiz de Infante. BlueSky. Un antiguo depósito de aguas sirvió de escenario para
"El Foso" (1988) aquella primera exposicion multimedia, del artista Francisco Ruiz de Infante. Recuerdo los sonidos de fondo, los dibujos, las cartas, las imagenes que se proyectan en las viejas paredes y vuelan como fantasmas... un ambiente de misterio, de tragedia inminente, de desperación, envolvia todo aquello, parecia magia, pero no podia ser un hechizo, tampoco podia ser un sueño, ni era solo un pensamiento subjetivo. De la misma manera que la resolucion de problemas o errores es la base de la investigacion cientifica... La obra de Francisco Ruiz de Infante puede ser observada como un vivero en el que el artista crea las circunstancias adecuadas para que el espectador esté inmerso en un entorno en el que horror, y el error le bloquean. A menudo los animales y las máquinarias son los protagonistas de accciones que reflejan el comportamiento humano. Estas situaciones críticas son determinantes para que se produzca el pensamiento creativo ... Francisco Ruiz de Infante y Nekane Aramburu presentan el proyecto BlueSky en el Auditorio ARTIUM "Preparativos para el viaje" trazando un paseo por BlueSky, que mostrará en Argentina. Diario de noticias de Alava .  BlueSky "...la forma más adecuada de mostrar BlueSky en el EFT ha sido el de darle el formato de una empresa, entre lo real y lo imaginario, con un gran neon delante como el de cualquier otra corporacion multinacional (la propia Fundacion). En "BlueSky / laboratorio de Laboratorios", un gran plano organiza la visita y jerarquiza el laberinto imbricado de las zonas de la exposicion (los diferentes laboratorios)..." (extracto del texto de BlueSky) Más informacion: -BlueSky - Francisco Ruiz de Infante . taller de Re: Presentaciones -Obras en Elba Benitez . -Díptico Animal. Francisco Ruiz de
Infante. -A cerca de lo real. FranciscoRuiz de Infante en Buenos Aires . -Francisco Ruiz de Infante. BLUESKY /Laboratorio de Laboratorios -"La complejidad de las cosas simples". Rodrigo Alonso. -Videos en Hamaca: BlueSky/B.S.o.D. (trainning attitude 2009). Uñas (2004). La piedra de Nueva York (2003.2005). Colisiones sin titulo (200). Los lobos (1995). Elige tu predador (2001). Paseos nocturnos (1994). Las cosas simples (1993). Yo soy de la gran Europa (1992). El juicio (1991). Lugar comun (1991). Images de instalaciones y performances en Culture en Champagne Ardenne. 12/15/2009 "Pourquoi attendre". Centre D'Art Contemporain de Genève. Una exposicion en torno a los Fondos André Iten en El Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra. 11.12.2009 – 7.2.2010. Artistas: Giovanni Anselmo, Abramovic / Ulay, Vito Acconci, Samuel Beckett, Stefan Brüggemann, Claude Closky, Martin Creed, Peter Friedl, Holger Friese et Max Kossatz, Thomas Hirschhorn, Christelle Lheureux, Gianni Motti, Bruce Nauman, Jean-Paul Sartre, Richard Serra, Tatiana Trouvé y Bill Viola. "Pourquoi attendre"/ "Porqué esperar" concebida por Simon Lamunière está realizada, en parte, con las obras de video reunidas por André Iten en el Centre pour l'image contemporáine entre 1986 y 2008. La exposición se divide en dos partes. La exposicion comienza en el hall, alrededor de la escalera por el cual el publico entra, y se presenta como una gran sala de espera dividida en 8 sectores. Despues de coger el ticket numerado para gestionar la cola, el visitante se situa en uno de los sectores para visionar los videos, elegidos entre las obras los fondos fotograficos de André Iten.  GIANNI MOTTI " HIGGS " (ver video) En busca del anti-Motti, CERN, Ginebra, 2005, vídeo. El 20 de mayo de 2005 a las 5h 50m de la tarde, Gianni Motti se comparó con un protón. Bajó al túnel circular del LHC (Large Hadron Collider) recorrió los 27 kilómetros a pie, a una velocidad media no acelerada de 5 km/h (aproximadamente 6 horas). En comparación, las partículas dan la vuelta al anillo 11.000 veces por segundo. Un travelling relata esta experiencia. El artista camina dentro del acelerador más grande del mundo, desierto y monótono. Una camara le sigue a una distancia constante. En seis horas cumple lo que ningún científico había pensado experimentar. En este largometraje, el tiempo se acaba, como si dejase de contar. El caminante parte como si fuera un átomo perdido en los ciclos del universo. Un malestar extraño nos sobrecoge, ese malestar, que Einstein llamaba relatividad.  CHRISTELLE LHEUREUX « Bingo Show », film DVD, 2003, 8 min ABRAMOVIC / ULAY « Breathing In, Breathing Out », video, 1978, 10:26 min VITO ACCONCI « Focal Point », 1971, vidéo, 33 min THOMAS HIRSCHHORN « Für Reto Flury », 1994, vidéo, 5:30 min BILL VIOLA « The Reflecting Pool », 1977–1979, vidéo, 7 min RICHARD SERRA « Anxious Automation », (1971), vidéo, 4:27 min BRUCE NAUMAN « Stamping in the Studio », 1968, vidéo, 1 h 02 min OEUVRES “EN DIALOGUE” (Partie périphérique de l’exposition) GIOVANNI ANSELMO « Invisibile », projection d’une diapositive, 1971 SAMUEL BECKETT « Geistertrio », pièce pour la télévision écrite en 1975, réalisée en 1977 par Samuel Beckett, Alan Schneider, interprétation : Klaus Herrn MARTIN CREED « Work No. 360: Half the air in a given space », 2004, ballons argentés 16 pouces, dimensions variables. PETER FRIEDL « Untouched », 1995–1997, vidéo, 3:39 min Dans « Untouched », GIANNI MOTTI "Higgs" A la recherche de l'anti-Motti, CERN, Genève, 2005, vidéo, 5h50 min JEAN PAUL SARTRE « Huis Clos », 1965, vidéo, réalisation et adaptation Michel Mitrani, 1 h 34 min STEFAN BRÜGGEMANN « (This Is Not Supposed To Be Here) », 2001, lettres vinyles noires « Ceci n’est pas supposé être ici». CLAUDE CLOSKY (ver video) « +1 », 2000, installation interactive. TATIANA TROUVÉ (ver video) « Untitled », 2009, bronze, patine noire, cuivre, dimensions variables HOLGER FRIESE ET MAX KOSSATZ. antworten « www.antworten.de », 2005, version française conçue spécifiquement pour le Centre, 2009 Compartir en facebook 6/21/2009 VOMITO. Musica Punk. Cultura urbana alternativa.VOMITO la legendaria banda del Rock Punk del Pais Vasco vuelve a los escenarios. Entrevista a Claus Groten de en exclusiva para "Los mejores artistas 2009". Mas información, introducción a la cultura Punk... -Ideologia punk. -Urbandiccionario Punk. - Punk 77 -Como ser punk y no morir en el intento. -Apunkalipsis entrevista. -El paisaje de la ria de Bilbao, el desecho, las ruinas antes de la recuperacion de la ria de Bilbao con el proyecto del Museo Guggenheim
  Victor y Claus concierto en 1987.
Exaltacion de la amistad en concierto de Vomito 1987.
-¿Como comenzasteis a tocar?
Nos juntamos a principios del año 84, éramos unos críos. Dani, nuestro primer batería, tenía 15 años y yo 16. Víctor y Mikel eran algo mayores, nos llevaban tres o cuatro años. Teníamos muchas inquietudes y ganas de dar rienda suelta a nuestra creatividad. También éramos muy golfos y rebeldes. Así que formar una banda punk resultó algo inevitable. Empezamos prácticamente de cero, no teníamos ninguna experiencia musical previa, pero le pusimos muchas ganas. Es verdad que, como dice el ideario punk, cualquiera puede coger un instrumento y formar una banda, pero si luego quieres hacer algo con fundamento, a currártelo y a meter horas. Tuvimos suerte porque a mediados de los ochenta hubo una gran eclosión musical, lo que nos permitió tocar mucho en directo e ir haciendo tablas rápidamente. Y el fichar con una discográfica como Suicidas, con distribución nacional, nos abrió las puertas para tocar por todo el estado.
1984. Vomito Social.
-Define vuestra música.
Básicamente siempre hemos sido un grupo de punk-rock, por nuestra actitud y la energía de nuestra música. Al principio, sobre todo por nuestras limitaciones como instrumentistas, nuestras canciones eran punk rudimentario y elemental, pero enseguida fuimos abriéndonos estilísticamente. Ahora en nuestro repertorio hay ingredientes de punk, rock´n´roll, metal e incluso power-pop. Somos bastante abiertos.
-¿Qué efecto produce la música de "Vomito" en la gente? ¿Qué veis en los conciertos?
Los Vomito tocando.
Saltando desde el escenario en el Concierto de Vomito 2009.
Intentamos que nuestros conciertos sean una descarga de energía, cuanto más potente mejor. Sacudir un poco a nuestro público y sudar con ellos. Sobre todo ahora que se conocen todas las canciones, los pogos son constantes desde el primer acorde hasta el final del bolo. Los conciertos de rock siempre han tenido un marcado carácter ritual, primitivo y salvaje, una forma de evasión colectiva. Por otra parte nuestro público es cada vez más heterogéneo, cosa que nos encanta. Y últimamente nos ha sorprendido ver la cantidad de gente joven que nos conoce, nos encontramos con muchos chavales que son verdaderos fanáticos de la banda.
-En vuestras canciones se mezclan los problemas de vida real con las pesadillas de los cuentos de terror, referencias a la literatura, a la cultura del cómic. ¿A quien se le ocurren todas esas historias?
Víctor y yo devorábamos libros, cómics y películas, y teníamos especial debilidad por el género fantástico-terrorífico. Nuestras aficiones se retroalimentaban. Al principio las letras las componíamos entre los dos, y es verdad que eran más directas y combativas, como las de muchos otros grupos de entonces. Pero después de nuestro primer disco la labor recayó básicamente en mí. Fue entonces cuando empezaron a aflorar esas influencias y las llevamos al terreno de la música. La sangre, el caos, el miedo... nos fascinan.
-¿Qué canciones incluyen el nuevo disco?
En nuestro myspace hemos colgado seis canciones de nuestro repertorio que hemos vuelto a grabar, cantadas por mí y actualizadas. Para que la gente pueda descargárselas y escuche cómo sonamos Vómito ahora. Por otra parte ya tenemos terminados cinco nuevos temas. Tres de ellos, “Regreso a la escena del crimen”, “Historias” y “Niños terroristas”, van a salir en un single de vinilo en octubre. Nos lo edita Potencial Hardcore, un sello madrileño. Para primavera tendremos terminado un nuevo CD, con diez o doce canciones nuevas, que completaremos con más actualizaciones de nuestro repertorio y seguramente el videoclip que acabamos de grabar de “Regreso a la escena del crimen”. También hemos grabado una versión de “Brand new Cadillac” de los Clash, para un disco de homenaje a la banda con grupos de aquí, que saldrá después del verano publicado por Brixton Records. Y estamos preparando varias versiones de uno de nuestros grupos favoritos “Parálisis permanente”, divirtiéndonos con arreglos de teclados y sintes. Tenemos hechas “Unidos” y “Sangre” y “Tengo un pasajero” en el horno. Después del verano nos meteremos a fondo con el tema de nuestra propia página Web, para ir colgando todas esas cosas. Aunque saquemos ediciones en vinilo o CD, en ediciones muy cuidadas para los más fetichistas, nuestra forma de distribución será Internet y la descarga libre.
-¿Qué diferencias hay entre la primera versión de “SOY UNA BOMBA, UNA BOMBA NUCLEAR… “ y la nueva versión de 2009? ¿es tu voz?
Claus cantando 2009. Ejercicio de voz. Mikel "El Gordo" guitarra, concierto Vomito 2009.
Lo de la voz es evidente. Víctor tenía una voz profunda, oscura y áspera. Yo no trato de imitarle y quizás mi interpretación resulte algo más rítmica. En lo musical la diferencia es casi mayor. Tiene una base rítmica mucho más elaborada, al igual que los riffs de guitarra. Por no hablar de los arreglos y la producción. Es un lujo contar en el grupo con Mikel “El Gordo”, que además de un guitarra tremendo también es un arreglista y productor cojonudo. Todos hemos aprendido mucho de él. En general todos nuestros temas antiguos están más elaborados ahora. Si Vómito llegamos a algo a pesar de las limitaciones de nuestros inicios, es porque teníamos un puñado de buenas canciones. Ahora que tenemos algo más de solvencia musical esos temas han ganado mucho.
-En los momentos de crisis, la gente tiende a buscarse la vida… ¿Es así como surge la cultura urbana alternativa?
Sí, está claro. Los momentos convulsos son terreno abonado para la creatividad. Hace falta algo de rabia y rebeldía para crear. O simplemente querer buscar tu propio camino y no conformarte con el ya hecho. De todas formas vivimos en un sistema que cada vez lo fagocita todo con mayor rapidez, y lo subversivo enseguida se convierte en espectáculo o entretenimiento, perdiendo lo que de alternativo pudiera tener.
-"ANTES DE QUE PIERDA LA MEMORIA…" ¿Recuerdas la movida que se montó en torno a la ría de Bilbao en los años 80 y 90?
Recuerdo la ría de Bilbao antes de la transformación. Era un pozo de inmundicia acojonante. Bilbao me encanta ahora pero casi me gustaba más cuando era una urbe absolutamente mugrienta. Le tengo un cariño terrible. Junto con Vigo es la única ciudad que conozco de España que podría tener un superhéroe recorriendo sus calles o surcando su cielo. Cuando estábamos en la facultad de Bellas Artes, a finales de los ochenta, varios artistas, entre ellos Alberto Lomas y Ana Dávila, realizamos una serie de obras con la ría como punto de partida. Para mí había algo de fascinación por lo absolutamente cutre y la poética del deshecho. Nos metíamos en aquel barro asqueroso y sacábamos todo tipo de objetos: bicis, sillas de ruedas, cochecitos de niño... había hasta automóviles medio sumergidos y cadáveres de perros. Luego utilizábamos todo aquello como material plástico, para realizar cuadros, instalaciones... Era también algo muy punki.
Entrevista: ierroc / Claus Groten Fotografias de : Myspace Vomito. 4/19/2009 "LA OBRA SURGE DE LA OBRA". Richard Serra.
Richard Serra, investido "Doctor Honoris Causa" por la Universidad Publica de Navarra. (Diario de Noticias) "LA OBRA SURGE DE LA OBRA".
Conferencia de Richard Serra.
24 de Abril a las 19.30 h en el Museo de Navarra.
Presenta:
Francisco Calvo Serraller. Cátedra Jorge Oteiza de UPNA (Pamplona).
Carmen Gimenez Conservadora del Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York).
Richard Serra comienza la conferencia con un recorrido cronologico por su obra.
Disertando a cerca del espacio en "las Meninas" de Velazquez y de la posición de los personajes principales en el cuadro, situados a modo de espectadores fuera del cuadro alude a la participacion del espectador en la obra, como motivo de interes en sus esculturas.
En sus las primeras obras confronta el sujeto con su representacion. Enjaula animales de verdad con sus homonimos de peluche; haciendo referencia a las cualidades intrinsecas del animal, no le interesa la representación sino una experimentación lúdica, en las que las cualidades del sujeto se manifiestan. El mundo real frente al mundo de las ideas, frente al mundo de las imágenes.
  A traves de acciones directas con materiales como el plomo y el acero; la gravedad, la interdependencia de las piezas, la transmisión de las cargas, o la capacidad de aguantar cargas, resultan evidentes.
  La interacción con el pasisaje asi como la participacion del espectador son muy importantes en la valoracion de estas obras, de la misma manera que la obra modifica el paisaje, es el paisaje el que elige el lugar donde va colocada la pieza, y esta pieza es el contexto que nos envuelve, y que recorremos.
  Actualmente está desarrollando la físicidad de figuras geométricas como el Toro, y tal vez proyecta tambien una Gran Torre.
...
Una pregunta para Richard Serra:
_...Las piezas grandes de Richard Serra (como "la materia del tiempo", por ejemplo) son Arquitecturas que condicionan el comportamiento de las personas...¿es consciente la Arquitectura del poder transformador del Arte?
"Durante años he discutido esta question con los arquitectos, y los arquitectos no quieren que nadie intervenga en su trabajo, ellos quieren hacer sus edificios y poner una gran bola dentro ". ...
temas relacionados:
-Richard Serra Invita a recorrer el espacio intimo de sus nuevas formas. El Pais.
-El arte no debe servir a la ideologia. Entrevista
2/23/2009 Los Mandamientos de la PinturaAlgunas veces el Arte Contemporáneo tiende a nublar las fronteras entre las tradicionales disciplinas artísticas, la pintura, la escultura, el dibujo...y se mezcla también con las nuevas tecnologías como la fotografia y el video; perdiendo de vista el punto de partida y causa primera del Arte: imaginar... "Los mandamientos de la pintura" es un codigo ético con la única intención de rendir tributo a los antiguos que, en algún momento de la historia, decidieron dejar la realidad a un lado, y plasmar en dos dimensiones lo que el mundo real les ofrecia en tres...
0. Amarás la pintura sobre todas las cosas.
1. Darás prioridad al color.(1)
2. Desdeñarás la escultura.
3. No calcarás.
4. No colorearás. (4)
5. No renunciarás a tu caligrafia personal.
6. No utilizarás recursos decorativos innecesariamente.
7. No imitaras a nadie.
8. No pintarás aquello que puedas fotografiar.
9. No olvidarás que la cantidad y el tamaño... sí importan.
(1) El color de fondo. (4) Iluminarás. Gracias:
A Platon por el mundo de las ideas en la cavernas,
 A Dibutades, por dibujar la sombra de su amante,
 Paolo Ucello, por sus ejercicios de perspectiva y color para efectos estereoscópicos,
 A Alberti y a Leonardo da Vinci por el "Tratado de Pintura",
A Descartes,
 A Willem de Kooning, Yves kKein
 Dalí y muchos más...
 Publicado por: ierroc 12/1/2008 "Sobre Esther Ferrer"extracto del texto del catalogo editado para la exposicion
Esther Ferrer es una artista conceptual, utiliza tantas disciplinas como necesite para expresar lo que le interesa. Distintas líneas o caminos se le van abriendo como relación y/o como consecuencia de lo experimentado, del proceso que lleva a cabo cuando está en su estudio o no, viviendo algún tema o “problema artístico”. Ser artista es una de las profesiones en las que el pensamiento se mantiene funcionando y latente en todo momento por lo tanto, en cualquier tiempo y lugar puede suceder algo, cualquier cosa, que actúe como detonante para una determinación.
El tiempo es una constante en su obra: contar el tiempo, pasar un tiempo, estar en un tiempo… en definitiva ser consciente de que está pasando un tiempo y ese tiempo que ahora mismo ha pasado, ya no volverá a pasar.
Y es el tiempo en el espacio con la presencia, factores determinantes de una performance: un tiempo vivido, compartido con un público que está ahí porque así lo quiere y ese tiempo es contado a lo largo de sus performances, una vez con su propia voz, otras veces con la presencia de algún instrumento que marque ese tiempo que va pasando en un lugar determinado el cual puede ser recorrido de diferentes maneras, teniendo en cuenta la partitura creada por la artista e interpretándola según el momento, sus circunstancias y la duración determinada. Normalmente incluye objetos que a veces se hacen esenciales en el movimiento de la acción, son objetos cotidianos, banales, que subrayan el aspecto de lo absurdo.
En 1978 participando con ZAJ en el Happening “el tren de John Cage.(A la búsqueda del silencio perdido)” realizó una performance en la que intervino en el espacio de uno de los vagones utilizando largos hilos sujetos en el mobiliario del tren conformando una instalación como consecuencia de la performance pero que a la vez proponía una performance al público con la propia instalación.
La sutileza del hilo en el espacio nos lleva a fragilidad del tiempo y su representación. Velázquez en una de sus principales pinturas nos presenta en primer plano, el laborioso y cotidiano trabajo de cinco hilanderas que bajo su apariencia de personajes propios de la época representan la Fábula de Minerva y Aracne; en el centro del cuadro, Velazquez nos abre el espacio representado a otra habitación (cuadro dentro de cuadro) en la que cuelga un tapiz con una escena mitológica de el rapto de Europa (cuadro dentro del cuadro del cuadro) ante el cual hay tres damas dos de las cuales observan el tapiz y la otra mira directamente hacia nosotros (fuera del cuadro) , tal y como en los juegos de la pintura barroca se intenta comunicar la propia pintura con el público. Cuatro relaciones espacio temporales hilados con finas hebras de un mismo encuadre.
Los hilos para Esther Ferrer son tiempo, este tipo de instalación e/o intervención espacial que realiza, tiene mucho que ver con la performance por su carácter efímero, normalmente se realizan para espacios concretos que muestran recorridos y formas que pueden o no intervenir y relacionarse con otras. Como la performance que solo existe en el momento que la performer la realiza, las intervenciones con hilos una vez cumplida su plazo de exposición son desmontadas, destruidas, se tiran. No son obras objetuales, puede quedar la huella de su existencia (fotografía, video...)
En otra ocasión Esther Ferrer elige un elemento tan sencillo como es el papel de impresión de una calculadora, lo desenrolla organizando formas azarosas que nos sorprende con un leves movimientos y sonido. Nos recuerda al “objeto ready-made con sonido secreto” de Duchamp y a sus comentarios: “… el sonido también ocupa espacio”. Si hemos dicho que el tiempo, el espacio y la presencia son factores claves en su trabajo, el aspecto de lo absurdo puede ser el punto de partida: …… para mi el mundo que vivimos es en sí mismo absurdo. El aspecto aparentemente racional desaparece en cuanto rascas un poquito. Con muchas de mis obras intento añadir más absurdo al absurdo por ver si consigo comprender algo. En realidad a veces pienso que si me he dedicado al arte, ha sido para intentar comprender el mundo o los mundos en que vivimos. Hoy, en este final de 2008, sentados, sentadas sobre una silla, un hilo finísimo sigue cayendo del techo; las blancas tiras de papel que recortamos en un sin fin nos van cubriendo, delatando un tiempo que sucede, un tiempo nuevo pero sin nuevos pensamientos, con innovaciones tecnológicas pero sin renovación ni evolución política, … … …… un tiempo que se nos ofrecen rápido ¿podremos pensarlo y hacerlo pasar con sus ritmos y cadencias naturales? si no, siempre podemos tener en cuenta la otra opción que nos ofrece Esther Ferrer en “Le fil du temps"[1] [1] La misma acción puede realizarse con otro elemento, harina, por ejemplo. En este caso la acción termina cuando esta llega a la altura del cuello. Pero en el caso de que la persona o las personas que realizan la acción quieran suicidarse, pueden continuar hasta que la harina les cubra completamente y les impida respirar.
Itxaro Delgado Beltran de Heredia (Gasteiz, 2008ko azaroa)
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Esther Ferrer Arteleku. Esther Ferrer Premio Nacional de Artes Plásticas 7/23/2008 Desde la experiencia con la materia a la realidad Inmaterial
Yves Klein (1928-1962)
Descendiente de pintores, comienza a pintar cuadros de una manera puntillista y monocroma en 1946.
Posteriormente trabaja en el taller de Robert Savage fabricando marcos. es allí donde trabaja en la elaboracion de las colas, los colores, los barnices, el pan de oro, y entra en contacto directamente con la materia de la pintura. Las hojas de pan de oro que vuelan literalmente a la menor corriente de aire, a merced de nuestra respiracion incluso. Totalmente cegado por la iluminacion de la materia en su cualidad fisica, vuelve a pintar de noche en su habitacion, los gouache monocromos, sobre carton blanco. Intentando retener la luminosidad del pigmento en polvo, del azul ultramar; el más volatil e inestable de todos los pigmentos. Experimenta con todos los mediums posibles.
"Los colores al óleo, me parecía que estaban muertos. Lo que me gustaba por encima de todo eran los pigmentos puros, en polvo, tal y como los veia en casa de los comerciantes de colores...Lo que me desolaba era ver cómo aquel polvo incandescente, una vez mezclado con una cola o medium cualquiera destinado a fijarlo a un soporte perdia todo su valor...Irresitiblemente llamado por esa materia nueva monocroma, decidi emprender las busquedas técnicas necesarias para encontrar un medium capaz de fijar el pigmento puro sin alterarlo."
Respecto a la eleccion por la monocromia en sus cuadros, conociendo la obra de Mondrian y Malevich apunta en cierta manera "La interaccion del color" de Joseph Albers en 1963. "desde el momento en que hay dos colores en una pintura, el combate ha comenzado. del espectáculo permanente de los colores en lucha (...) el espectador encuentra un delicado placer pero no menos mórbido desde el punto de vista filosófico y humano..." (Yves Klein)
"Para mí el color es libre, se disuelve instantáneamente en el espacio. Los colores son los verdaderos habitantes del espacio. La linea no hace nada más que viajar por el espacio" En 1957 anuncia que ha penetrado en el mundo del deseo , el reino del color y su abolición de la fijación dualista y de la figuracion , decide desembarazarse del arte del ego y la forma, y tomar consciencia de su parentesco con el espacio. De esta toma de conciencia nace su "espíritu monócromo".
Un acetato polivinilico llamado Rhodopas.M. mezclado con el pigmento mantiene inalterables las cualidades del pigmento azul: IKB. Las esculturas de esponja simbolizan al espectador que queda embebido despues de contemplar el cuadro monocrono. La esponja, en la "Cosmogonía" Rosacruz de Heindel ilustra la conquista el reino material por el espiritu.
Sumergidas en diferentes concentraciones de IKB conforman el relieve monumental del interior de la öpera de Gelsenkirchen
La inmaterialidad es posible: el sello azul llevo la carta a su destino. "Escavatrice de L'espace" excava un hueco en el espacio. Escultura realizada con Jean Tinguely para La exposicón:"Velocidad pura y estabilidad monocroma".
Las "Cosmogonias". Realizadas con los cuatro elementos: Agua, fuego, aire, tierra. Pintura: cuadro realizado con fuego, Escultura realizada con agua, y arquitectura: muro de fuego.
Las obras inmateriales de Yves Klein, la exposicion del vacio, las zonas impregnadas de su sensibilidad, le hacen avanzar por delante de su tiempo, augurando conceptos que se han desarrollado ampliamente en el siglo XX. Convencido de la levitación, de la arquitectura del aire, con espacios climatizados, que ofrecerian a los hombres largas temporadas abrigados a las inclemencias del tiempo; intuía que sin la linea, sin pintura, sin pinceles, sin soporte, sin espacio, sin dinero... La realidad inmaterial existe, por encima del tiempo y del espacio y es posible, tambien ahora en internet. Acelerador de particulas en marcha el proximo 10 de septiembre.
Cita video Yves Klein YouTube - Yves Klein Anthropométries
Publicado por: ierroc
5/29/2008 Jeff Koons. Deseos concedidos.
Video de a exposicion de Jeff Koons en Versailles Jeff Koons. MCA. Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.
"Seize this rare opportunity to hear the artist talk about his incredible work and view the Jeff Koons exhibition on its opening day. With their seductive surfaces and flawless execution, Koons's works transform everyday objects and fantasies into high art ". "The major contemporary artist-provocateur Jeff Koons is one of the most well-known and intriguing artists of the 20th century. His works, with their seductive surfaces and flawless execution, transform everyday objects and fantasies into high art. The artist is working closely with the MCA to create a carefully selected survey focusing on his most iconic sculptural works. The MCA presented Koons's first American survey in 1988, before he began his often controversial series of works in porcelain. It is fitting for the MCA to revisit the career of this now-seminal figure in contemporary art and to explore his work's significance for a new generation".
Version française.
Trois désirs accordés par Jeff Koons :
1.Personne pourrá degonffler mon ballon de lapin. 2.Mes tulipes ne se faneront jamais.
3.Je croîtrai tant, que le monde sera à mes pieds et aussi je veux une jolie maison pour mon chien.
Jeff Koons est l'un des rares artistes contemporains qui a réussi à faire un art totalement populaire. Il choisit soigneusement le sujet, les matériels, la couleur, le lieu, et l'échelle de ses oeuvres. Tout est nécessaire pour que l'imagination se convertisse en réalité, dans une réalité pleine de satisfaction . Actuellement l'exposition dans le Palais de Versailles, est un clair exemple : le palais du roi Sol, c'est la scenaire, et transforme l'artiste contemporain Jeff Joons en artiste classique, le buste en acier inoxydable du roi "Louis XIV" que l'artiste a realisé en 1986, une prémonition, est maintenant à la fin dans sa propre maison. Maintenant la sauterelle de plastique coloré "Lobster", suspendu du plafond comme si c'était une araignée authentique en cristal barroque, et dans la dépendance de la reine Marie Antonieta "Large Vase of Flowers" (132,1x109,2x109,2 un cm.) un bouquet splendide de fleurs en bois polychromé préside l'habilitation. Version española.
Tres deseos concedidos por Jeff Koons:
1. Nadie podrá explotar mi globo de conejito.
2. Mis tulipanes no se marchitarán jamás.
3. Creceré tanto, que el mundo estará a mis pies y tambien quiero
una bonita casa para mi perro... Jeff Koons es uno de los raros artistas contemporáneos que ha conseguido hacer un arte totalmente popular. Elige cuidadosamente el tema, los materiales, el color, el lugar, y la escala de sus obras. Todo es necesario para que la fantasía se convierta en realidad, en una realidad totalmente satistactoria.
Actualmente la exposicion en el Palacio de Versailles, es un claro ejemplo: el palacio del rey Sol, es el escenario, y convierte al artista contemporáneo Jeff Joons en un artista clásico, el busto de acero inoxidable del rey "Louis XIV" realizó en 1986, una premonicion, está al fin en su propia casa. Ahora la langosta de plástico coloreado "Lobster", cuelga del techo como si fuera una auténtica araña de cristal, y en las dependencias de la reina Maria Antonieta "Large Vase of Flowers" (132,1x109,2x109,2 cm.) un espléndido ramo de flores de madera policromada preside la habitacion.
Rabbit / STATUARY
stainless steel
41 x 19 x 12 inches 104.1 x 48.3 x 30.5 cm Edition of 3 plus AP 1986 Tulips / CELEBRATIONS
high chromium stainless steel with transparent color coating
80 x 180 x 205 inches 203.2 x 457.2 x 520.7 cm unique versions 1995-2004 Puppy / PUPPY
stainless steel, wood (at Arolsen only), soil, geotextile fabric,
internal irrigation system, live flowering plants
486 x 486 x 256 inches 1234.4 x 1234.4 x 650.2 cm Installations at arolsen 1992, sydney 1995-96, bilbao 1997 (permanent installation), new york rockefeller 2000, private collection
(permanent installation) 1992
Publicado por: ierroc
Compartir en facebook4/28/2008 "GENEVE *accesible". Antoni Abad. Centre d'Art Contemporain de GenèveVersion española
El proyecto "GENEVE*accessible ", lanzado por la ciudad de Ginebra en colaboración con la asociación Handicap Arquitectura y Urbanismo (HAU), tiene como objetivo facilitar el desplazamiento de las personas a movilidad reducida. Concebido y orquestrado por el artista catalán Antoni Abad, este proyecto cruza dos dimensiones esenciales - la acción social y la práctica artística - activamente incluyendo a las personas concernidas. El proyecto se celebró en tres tiempos: primero la colocación de la arquitectura de una ubicación(sitio) internet, luego la distribución de teléfonos transportables a personas en situación de handicap que les permitió catalogar y cartografiar sobre la ubicación(sitio) los obstáculos a su movilidad. Al final se presentar el resultado de este trabajo en el Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra en el marco de una serie de eventos vivientes: la semaine «Créateurs Singuliers» (du 27 mai au 1er juin). Comisaria de la exposicon: Katya García Anton.
Mapa de Ginebra. de accesibilidad/inaccesibilidad: Bravos-peligros-desviaciones-entradas-escaleras-imposiblilidades-incivilidades-suelos-transportes-pasillos.
Colectivos que transmiten desde sus telefonos moviles:
Taxistas de Mexico D.F 2004 Gitanos de lleida 2005 Gitanos de Leon 2005 Prostitutas de Madrid 2005 Persones discapcitades de Barcelona 2006 Inmigrantes nicaragúenses en Costa Rica 2006 Motoboys de Sao Paulo 2007 Version Française
Le projet «GENEVE*accessible», lancé par la ville de Genève en partenariat avec l’association Handicap Architecture Urbanisme (HAU), a pour objectif de faciliter le déplacement des personnes à mobilité réduite. Conçu et orchestré par l’artiste catalan Antoni Abad, ce projet croise deux dimensions essentielles – l’action sociale et la pratique artistique – tout en incluant activement les personnes concernées. Le projet s’est déroulé en trois temps: d’abord la mise en place de l’architecture d’un site internet, puis la distribution de téléphones portables à des personnes en situation de handicap qui leur a permis de répertorier et de cartographier sur le site les obstacles à leur mobilité. Enfin, la présentation du résultat de ce travail au Centre d’Art Contemporain Genève autour de toute une série d’évènements vivants: la semaine «Créateurs Singuliers» (du 27 mai au 1er juin)
Comisaria de l 'exposicion: Katya García Anton.texte du Centre d'Art Contemporain de Genève 3/16/2008 Javier Perez. Penitents. Aria da Capo. Objetos del deseo. Rituales de tránsito."Penitents" de Javier Perez. Sabado 20 de marzo al 30 de Abril en la Galeria Claudine Papillon de Paris. France .jpg) "RITUALES DE TRÁNSITO" de Javier Pèrez.
Miercoles 8 de Abril 2009 en la Galería Mimmo Scognamiglio. Milan. Italia
 "OBJETOS DEL DESEO" de Javier Perez.
Fecha: 20 noviembre 2008 – 11 enero 2009
Lugar: Casal Solleric / Espai Quatre y Planta baja Comisaria: Neus Cortés. Instituciones: Ajuntament de Palma / Caja Mediterráneo CAM
“Objetos del deseo es una selección de obras que recorren mi trayectoria desde que empecé a plasmar mi deseo en objetos”, afirma el artista, quien ha querido que en esta muestra se puedan ver algunas de sus obras más tempranas, como Autorretrato de 1993 o Mochilas anatómicas de 1994. Según sus palabras: “Ya en aquellos inicios sentía una gran necesidad en identificarme con la obra. Pasados los años me resultan especialmente queridas por estar vinculadas a experiencias vitales muy intensas”. Anatomia del deseo. Vista general de la exposicion contraluz y Baile de los esqueletos de "Aria da Capo"
"ARIA DA CAPO" de Javier Perez en La Galeria Salvador Diaz de Madrid, a partir del 27 de Marzo.
Javier Perez presenta en la Galeria Salvador Díaz una exposicion a cerca del paso del tiempo. La transformacion de las formas, de los estados de la materia y el ciclo vital. La vida y la muerte, el nacimiento y la destrucción se suceden siempre...
"Hibrido". Organismos realizados en resina negra sufren una mutacion de lo animal a lo vegetal. .
"Linea de Horizonte". La transformacion de las formas humanas como condicion inevitable del paso del tiempo.
"ARIA DA CAPO". Esqueletos flotantes, bailan, trazan circulos al compás de un carrillón musical de la pieza "Aria Da Capo" . Cita youtube
En "Jardin Interior", el artista Javier Perez presenta la vision interior del cuerpo humano, como un paisaje. Preciosas formas orgánicas en vidrio rojo, espejos circulares en el suelo que multiplican manos, cabezas, venas... un paisaje para todos los sentidos, en el que el espectador se ve envuelto.
Escultura y fotografia, la vision interior del cuerpo humano, como un paisaje en la Galeria Claudine Papillon de Paris.
Galeria Claudine Papillon, imágenes de "Jardin Interior" en Paris-art.com Version Française
ARIA DA CAPO" de Javier Pérez dans la Galerie Salvador Diaz de Madrid , à partir du 27 mars.
Javier Pérez présente dans la Galerie Salvador Díaz de Madrid une exposition au près du pas du temps. La transformation des formes, des états de la matière et du cycle vital. La vie et la mort, la naissance et la destruction se succèdent toujours...
"Hibrido". Des organismes réalisés dans résine noire changent de l'animal au végétal. Le changement de la matière.
"Linea de Horizonte". La transformation des formes humaines comme condition inévitable du pas du temps. "ARIA DA CAPO". Des squelettes flottants, dansent, tracent des cercles en mesure à un carrillón musical de la pièce "Goldberg Variations var.26-30 Aria da capo".
Dans "Jardin intérieur", l'artiste Javier Perez présente la vision intérieure du corps humain, comme un paysage. Trés jolies des formes organiques fabriquées en verre rouge, des miroirs circulaires dans le sol multiplient des mains, des têtes, des veines... un paysage pour tous les sens, dont le spectateur se trouve enveloppé. Sculpture et photographie, la vision intérieure du corps humain, comme un paysage dans la Galerie Claudine Papillon de Paris.
Galeria Claudine Papillon, imágenes de "Jardin Interior" en Paris-art.com.
El Parlamento Vasco adquiere una obra de Javier Pérez sobre el tiempo, "Tempus Fugit" y .
Carré d 'Art de Nimes, Musée d'Art Contemporain
Artium, Museo de Arte Contemporáneo de Vitoria
"Cuerpos extraños". Texto de Francisco Javier San Martin
Pabellon Español de la Bienal de Venecia 2001
Fotografías:
"60 escalones" "Cumulo" "Un sueño largo"
"la casa de pan" "Levitas" "Reflejos de un viaje"
Pieza de vidrio soplado del Pabellon Español de la Bienal de Venecia y en el Hall de Artium..
2/17/2008 ARCO 2008. Nada es lo que parece Nada es lo que parece y todo es posible.
1. Escena de caza, escultura en vidrio soplado.
2. Collages de imagenes religiosas y de naves espaciales mezclados.
3. Retrato de Leonardo Da Vinci. Oleo de color tierra sombra sobre oro, grattage.
4. Retrato de un mosquito. Impresion artesanal en blanco y negro.
5. Cuadro al oleo, representa un paisaje. El volumen de la pintura. Wo Ju Lim.
6. Oxido de cobre producido por micción. Tecnologías pictoricas. Galerie Krinzinger/Viena. 6. El proceso mecanizado de la pintura, al descubierto. La destreza del artista.
8. Ropa de gente muerta, expuesta como ropa nueva, merchandising. 9. Fotografia de tiquet de compra. la plusvalia. Revalorizacion de objetos cotidianos. En Vera Cortes.
12/30/2007 CDG/ JH Engström -CDG: El aeropuerto de Paris Charles de Gaulle. (CDG/JHE) Publicado por Steidl. Version española
CDG. Una gruesa capa de polvo gris envuelve todas las fotos. No podemos ver claramente qué es. Fotografias de objetos, de cascotes de cemento, de subterráneos, de infraestructuras, de vías de acceso de la autopista, de cristales que nos separan, de ruedas alineadas, las sillas de plástico vacías, papeleras, cinta transportadora…fotos de un lugar abandonado , inhóspito. Nada que ver con lo que actualmente es un aeropuerto, lleno de gente, de color, de saludos y despedidas. JH Engström recuerda así los momentos de su infancia en el aeropuerto CDG de Paris. Procedente de un pueblo de la campiña de Suecia, a la edad de 10 años se traslada con sus padres a Paris; debido a los continuos viajes, pasa largas horas en el Aeropuerto Charles de Gaulle -CDG, este lugar es el primer contacto con el exterior. "La Búsqueda del tiempo perdido", como en la novela de Proust parece el tema de las fotografías de JH Engström. Si en la novela los trocitos de magdalena mojados en el té trasladan al protagonista a otros tiempos, al ver las fotos de Engström hacemos flash back y de una manera mágica nos trasladamos al pasado. Construye su pasado. Utiliza los recursos de la fotografía aprendidos como ayudante de Mario Testino en Paris y Anders Petersen en Estocolmo, e inventa una fotografia documental personal. Su obra reflexiona a cerca del sentido de la fotografía. Hacemos fotos para recordar, para retener ese momento, como en los primeros momentos de la historia del dibujo.
Version Française
CDG. Une grosse cape de poudre grise enveloppe toutes les photos. Nous ne pouvons pas voir clairement ce qui est. Les photographies d'objets, de gravats en ciment, de souterrains, d'infrastructures, de voies d'accès de l'autoroute, de cristaux qui nous séparent, des roues alignées, les chaises vides de material plastique, de papeteries, une transporteuse … des photos d'un lieu négligé, inhospitalier. Rien à voir de ce qui est actuellement un aéroport, plein de gens, de couleur, de saluts et d'adieux. JH Engström rappelle ainsi les moments de son enfance dans l'aéroport CDG de Paris. Originaire d'un village du champ de la Suède, à l'âge de 10 ans il se déplace avec ses parents à Paris; grâce aux voyages continuels, il passe de longues heures dans l'Aéroport Charles de Gaulle de Paris-CDG, ce lieu est le premier contact avec l'extérieur.
"La Recherche du temps perdu", comme dans le roman de Proust c'est le sujet des photographies de JH Engström. Si dans le roman les miettes de madeleine mouillées dans le thé déplacent le protagoniste à d'autres temps, après avoir vu les photos d'Engström, nous faisons un flash back et d'une manière magique nous nous déplaçons au passé. Il construit son passé. Il utilise les recours de la photographie appris comme assistant de Mario Testino à Paris et Anders Petersen à Stockholm, et invente une photographie documentaire personnelle. Son oeuvre réfléchit au près du sens de la photographie. Nous faisons des photos pour s'éveiller, pour retenir ce moment, comme dans les premiers moments de l'histoire du dessin.
Publicado por: ierroc
-Recorte de prensa de la exposicion comisariada por Christian Cajouille en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte. Diario de noticias de Navarra. -Objetos: El Plato abandonado con restos de comida. (Haunts) -Lugares: La cama con las sábanas revueltas. (Trying to dance)
- Personas desnudas posando frente a la cámara, siguiendo la estética de las fotografias victorianas. (Nudes-Saatchi Gallery) -Autorretrato: desnudo asomado a la ventana. -Madre y bebé. (Haunts)
-Su amigo y maestro: Grabación con Anders Petersen contando...( Entrevista JH Engström-Anders Petersen) -Portada de Shelter Book.
-Sus amigos y vecinos: Documental íntimo y personal de sus amigos Bertil&Maggan "stay or go" para la television Sueca. Hablan de su relación después de muchos años de convivencia. Compartir en facebook 11/15/2007 New Architectures. Fachadas. Chinese Pool Portraits. Roland FischerRoland Fischer presenta "New Architectures" en la galeria Max Estrella de Madrid, a partir del 26 de Mayo, una exposicion y estudio de la Arquitectura Contemporanea. Edificios de arquitectos tan representivos como Luis Barragan en Mexico, le Corbusier, Siza, Calatrava, Niemeyer...analizados por la vision reveladora del artista.
 Roland Fischer at Carlos Carvalho Arte Contemporánea gallery, Von Lintel New York gallery presents new works of the Façades, Chinese Portraits, New Architectures and Camino at the exhibition WorkShow. As modern art painting , Roland Fischer explores the elements of color, rhythm, composition and form as abstract possibilities of reality, placed not only througt the image of building façade but also using the human face as a subject..."
The Goethe-Institut Hong Kong presents German photographer Roland Fischer's works from May 2 to June 7, 2008. Selected photos from Fischer's "Chinese Pool portraits" and "Facades" series shown earlier at the Pinakothek der Moderne in Munich will be on display at the Goethe-Gallery.
"Chinese Pool Portraits"
Roland Fischer （罗兰） 多年来一直用观念摄影的语言，来描述他深刻的洞察力。他这几年来，制作的建筑幕墙系列，集体肖像系列，游泳池肖像系列，在世界各地展 出，并得到艺术界的广泛好评。作品被众多美术馆和公共机构收藏。他多次被摄影杂志评为德国十个最重要的当代摄影艺术家之一。
这次的《中国游泳池肖像系列》是Roland Fischer(罗兰)对于他自上世纪90年代在国际上享有盛名的摄影作品《洛杉机肖像系列》的延续和革新。摄影选在北京和上海两 地，模特们以女性为主，有少数男性，他们分别来自于中国各地。这一系列的肖像不再仅仅是人物的面部，而是被蓝色池水围绕的半身像。随着模特体态和头部姿态的变化 ，从远处看，他们的面容呈现出各种各样不同的有的似神秘有的似梦幻的感觉。《中国游泳池肖像系列》中的人物像是与世隔绝的个体，从他们身上看不出他们的社会身份 和职业。从西方人的角度看，亚洲人都是很相似的，Roland Fischer(罗兰)通过他独特的摄影语言为观众介绍了每个人物不同的个性。 《中国游泳池肖像系列》以一种无拘无束,充满活力的方式表现了自信、努力奋斗的青年一代的某种强烈的愿望。 展览还将展出艺术家曾经在中国制作的肖像作品。 Roland Fischer 将出席本次展览的开幕式。 Text: 140sqm Shanghai
"Soldiers" 2002.
"Workers" 1998. English version:
"After his series Los Angeles Portraits, Roland Fischer shows news pool portraits realised in China. If the visual appearance and the selection of models stay similar, this new work is an indepth analysis of the previous series as an exemplary change of his artistic pratice. Fischer has been interested in China for many years as the serie Façades realised in this country shows it. On his new images, the shoulders emerge from the water, the faces stand out against a turquoise background on a composition without reference. The models appear in the frontal way without pose, fixed gazes, turned to the camera without look at it. These figures have “an over physical presence but as an absence on the world”. Without retouch, the portraits are separated from the reality. Documentary medium par excellence, Roland Fischer uses photography to confuse the reality captured by his camera..." To continue reading the text: Sollertis 20 ans
Vista de la exposición en la galeria Walter Storms.
German version:
"Restaurantbesitzerin oder Fernsehansagerin - für die neuen Fotos "Badende Chinesinnen" von Roland Fischer steigen sie alle in den Pool. Zu sehen sind die Bilder nun in der Galerie Walter Storms in München. Sie heißen Lin Lin, Zhu Zhu, QiaoQi oder einfach Shirley,...stammen aus Peking oder Schanghai, sind Fernsehansagerin oder Restaurantbesitzerin und sprechen perfekt Englisch. Sie verkörpern das neue China: offen, weltgewandt und selbstbewusst. Das verbindet sie und ihre Bereitschaft, für den deutschen Fotografen Roland Fischer in einen Pool zu steigen und dort so lange auszuharren, bis das Wasser keinerlei Bewegung mehr zeigt und spiegelglatt erscheint. Denn Fischer nutzt in seinen "Chinese Pool Portraits" das Wasser als monochromen Farbraum. Dafür ..." "Balende Chineses" . Text: Hanne Weskott. Which shows the chinese pool portraits: Sueddeustche.de
Version española:
Roland Fischer es uno de los artistas más influyentes de este siglo. Sus fotografias han retratado no sólo a gran cantidad de personas de todo el mundo y de todas las clases sociales sino tambien los edificios más emblemáticos de todas las epocas. Desde el analisis formal relaciona el exterior con el interior; La geometria, la arquitectura, la economia, el trabajo, la sociedad o la religion son algunos de sus temas.
En "Chinese Pool Portraits" Roland Fischer fotografía mujeres de China, especialmente de Shanghai y Beijing, siguiendo la estetica de "Los Angeles Portraits" de 1990, pero con algunos cambios. Si en los retratos realizados a mujeres y algunos hombres de la alta sociedad de los Angeles estos miran de frente a la camara, sus accesorios y peinados los contextualizan y refuerzan la pertenencia a un grupo....
Esta vez el artista presenta los retratos tambien sumergidos en la piscina, tambien rodeados del mismo color azul pero de una manera diferente. Observadas alrededor desde otra altura, las posturas ladeadas de la cabeza, sus miradas ausentes, y aisladas de su condicion social, reafirman su individualidad. Sus caracteristicas personales, dibujan fondos diferentes, contextos diferentes. "Monks & Nuns"
"Fachadas y Catedrales"
"Los Angeles Portraits"
Mas informacion:
Roland Fischer en Artfacts
Artist movie Roland Fischer now at Foto TV
Galeria Walter Storms Munich
Galeria Sollertis
En la Galeria Max Estrella Sally O’Reilly looks beyond the surface of Roland Fischer’s photographs.
Photografer loves to save face. China view.
En "la voz de Galicia", Peregrinos del Camino de Santiago.
"Fachadas y Catedrales" Galeria Moises Perez de Albeniz de Pamplona. Albun de fotos.
Publicado por : ierroc
10/22/2007 Bernd et Hilla Becher, "Man muss sich beeilen, alles verschwindet""Hay que apresurarse todo desaparece"...
Version española
En "Man muss sich beeilen, alles verschwindet" -Bernd et Hilla Becher"( 2006), film documental dirigido por Marianne Kapfer, Bernd y Hilla están en su estudio en Düsseldorf recordando las cuatro décadas pasadas de su creación fotográfica. Casas de paredes entramadas, depósitos elevados de agua, altos hornos, pithead marcos, hornos de cal, tanques de gas, edificios de una cultura industrial que se ha ido demoliendo mientras tanto...Sus fotos se reconocen a primera vista: Fotos nitidas en blanco y negro, con fondo claro y tomadas desde un punto de vista un poco elevado. Bernd Becher, nacido en 1931, pronto empezó a pintar y firmar, a graffitear en las chozas y en las minas amenazadas por la demolición, en el entorno industrial de su casa. En 1957, comenzó a fotografiar edificios industriales. En 1959 Bernd e Hilla fotografiaron juntos las minas y las casas de paredes entramadas del área Siegener industrial, las plantas industriales de la zona del Ruhr, los distritos de col en País de Gales y las áreas industriales de Francia, Bélgica, Luxemburgo y los Estados Unidos. Muy pocas de las empresas fotografiadas por ellos siguen en activo. Su género único, entre la documentación topológica , la arquitectura, la ingenieria y el arte conceptual, continúa la estética de la fotografía alemana de comienzos del siglo xx Karl Bossfeldt, Germaine Krull, Albert Renger-Patzsch...
Version française
"Les photographes Bernd et Hilla Becher se sont attachés à fixer sur images dès la fin des années 1950 un patrimoine architectural industriel appelé à disparaître. En accompagnant le couple le réalisateur Marianne Kapfer a gagné des impressions proches du traivail mais aussi du personage des artistes. Après la mort de Bernd Becher en 2007 ce film reste le seul film documentaire privé sur les Bechers".
English version
Industrial Landscapes introduces a new aspect to the Bechers’ photography, one that will surprise connoisseurs of their work. Whereas their previously published works concentrated on isolated industrial objects, they now show huge industrial sites amid their natural surroundings. They move away from the objective, severe image to present slightly more narrative, interpretive images of the industrial environment as a whole. Although the photographs in Industrial Landscapes were taken over the past forty years, they are published here for the first time. The industrial structures shown include a wide range of coal mines, iron ore mines, steel mills, power stations with cooling towers, lime kilns, grain elevators, and so on. They represent industrial regions in Belgium, France, Germany, Great Britain, the Netherlands, and the United States (Alabama, Michigan, Ohio, and Pennsylvania)
Publicado por: ierroc
9/30/2007 Charles Sandison, "Genoma" en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte , Pamplona
Cita YouTube - Living Room "Genoma"
Version Española.
"A veces intento visualizar el viaje de una palabra cuando sale de los labios de una persona
y se dirige a su destinatario, o imagino, cuando estoy en una biblioteca, que todos los libros susurran. Veo entonces una bandada de pájaros que parece desplazarse de manera caotica y que sin embargo siguen su viaje". Charles Sandison concibe las instalaciones a medida de los lugares en que se exponen. Partiendo de programas de ordenador que el mismo crea y utilizando como elementos constructivos la palabra, proyecciones de video que invaden el espacio arquitectónico (paredes, suelos, puertas, ventanas...)en el que dichos elementos se cruzan, se atraen, se repelen, crean figuras, se descomponen, cada uno en movimiento constante con un comportamiento especifico. "Genoma" Version Française.
"Parfois j' essaie de visualiser le voyage d'un mot quand il sort des lèvres d'une personne et il se dirige vers son destinataire, ou j'imagine, quand je suis dans une bibliothèque, qui chuchote tous les livres. Je vois alors une bande d'oiseaux qui semble se déplacer d'une manière chaotique et qui cependant ils suivent son voyage ". Charles Sandison conçoit les installations selon les lieux dans lesquels elles s'exposent. En partant de les programmes de l' ordinateur q'il même cree et en utilisant comme éléments constructifs le mot, les projections de vidéo qui envahissent l' espace architectonique (des murs, des sols, des portes, des fenêtres ...) dans que les dits éléments se croisent, ils(elles) s'attirent, ils(elles) sont repoussés, créent des formes(figures), se décomposent, chacun dans un mouvement constant avec une conduite spécifique. Charles Sandison en Torrisdalebay, aqui podeis ver todas sus imagenes y videos.
En la Galeria Max Estrella.
En la Galeria Lisson.
Tres videos de Charles Sandison en Youtube.
Imagenes: Fotograma de uno de sus videos, "Eight Glasses" 2002.
Fotografia de la instalacion en Koldo Mitxelena de San Sebastian.
4 Fotografias de la instalacion "Genoma en el centro de Arte Contemporáneo de Huarte.
Publicado por: ierroc
9/4/2007 "1000 dreams". "Dibujo naïf". Matthijs de Bruijne, Liquidacion.org.Mathijs de Bruijne es un artista Holandes, que ha realizado numerosos proyectos de Arte Social en diferentes lugares del planeta. Alejado de una estetica depurada, o escenografica propia de su formacion en Artes Plasticas. Sus obras son documentales in situ, realizados con retazos de la realidad. Objetos reales, personas reales, sus actos, sus voces, sus sueños, sus trabajos, sus esperanzas. No es solamente una imagen lo que el artista nos presenta, sino que hay detras de su obra un autentico trabajo de transformacion social. En "1000 dreams" Mathijs nos cuenta las experiencias en China, a traves de los sueños de varios personajes, que encuentra en la proyeccion de un film en un templo. Al escuchar los relatos de estas personas no podemos descifrar el mensaje oculto de sus voces... Desde este vinculo pueden escuchar la version original de los 1000 sueños. Version Española: "LIU JIA TIAN: Este sueño es sobre mí novio y yo. Estábamos en su casa, era tarde, él ya se había dormido, pero yo no podía dormir. Yo escuchaba música con el MP3, la canción " Baby, como puedo demostrar mi inocencia ", del grupo "Siwu". Escuchaba la canción y miraba la cara de mi novio, estaba tumbado en la cama con su cara girada hacia mí. De repente, sin realmente pensar en ello, me levanté y coji un cuchillo de un cajón. Le mire por un instante, y sin vacilar le corté la garganta con el cuchillo. Él se despertó y me miró con una mirada muy extraña en sus ojos. Realmente no puedo describir aquella mirada, era de susto y perplejidad, pero había más que eso en sus ojos. Él me miraba fijamente, con su cuello sangrando, y despues su boca y nariz también comenzaron a sangrar, vi pequeños remolinos de sangre salir de ellos. La casa estaba llena a olor de sangre. Él trató de arrastrarse hacia mí, así que salí de la la cama y fui a la puerta. Su sangre estaba por todas partes, en la cama, en el suelo.El seguia arrastrandose hacia a mi y finalmente llego hasta la puerta.Casi me alcanzó, asi que salté de nuevo a la cama. Se giró hacia la cama, todavia arrastrandose. Durante todo ese tiempo seguia mirandome. No podia oir lo que decia porque tenia sangre en la boca, sangraba todo el rato, todo estaba cubierto de sangre. Yo le mire sin expresion en la cara y mi mente estaba totalmente en blanco, no pensaba en nada. Cuando el alcanzo la cama otra vez, murio. Ya no se movia, pero seguia sangrando. Yo todavia tenia el cuchillo en la mano, y seguia mirandole. Sus ojos seguian abiertos, incluso ahora que estaba muerto, y me estaban mirando. Finalmente, me desperté porque el olor de sangre era muy fuerte. Encuentro este sueño muy curioso. La más curioso es que tuve este sueño mientras iba en el autobús, me había dormido escuchando mi MP3, y cuando me desperté, la siguiente canción que sono era la del sueño: " Baby, como puedo demuestrar mi inocencia ". Era muy extraño. Conoci a mi novio en junio, y en julio volví a mi ciudad natal para las vacaciones de verano. Estaba tan enamorada de él, que casi me pierdo, no iba a clase, estaba todo el dia en su casa, ordenando y lavando su ropa. No hacía nada más hasta que él volvia del trabajo y luego cenabamose y nos ivamos a dormir. Esto continuó así durante un mes, entonces algo paso entre nosotros y rompimos. En realidad sin mtivo alguno. Pienso que este sueño es bastante significativo y lo recuerdo bastante a menudo. Todavía estoy en la universidad, y probablemente debería ir mas a menudo a clase, pero no hago. Creo que soy un poco mala, no voy a clase, siempre me estoy escapando. Mis profesores dicen que les doy dolor de cabeza. Me gusta la música rock, y por eso voy a conciertos de rock el fin de semana.Normalmente salgo con mis amigos, pillamos algo para comer y unas bebidas. Me gusta viajar a otras ciudades. Excepto las ciudades en la costa, conozco casi toda China. Me gusta este modo de vida cada vez más. Cuando voy a una ciudad que no conozco, me siento muy relajada. No me gusta Xi'an en absoluto, a pesar de toda la cultura y la arquitectura. Es demasiado pesado para mí. Me gusta la atmósfera en otras ciudades que no conozco". Traduccion de : Itziar Albarran En liquidacion.org Mathijs de Bruijne propone una salida a la crisis de Argentina ayudando a los los cartoneros del tren Blanco.Vende los restos de Argentina, recogidos en las montañas de los vertederos de la ciudad y los sueños de los protagonistas, a traves de la web. Cada uno de estos objetos va a compañado por un texto que describe como ha sido encontrado. aqui podeis leer el texto correspondiente al "Dibujo Naif".
English version
"We start to cirujear some fresh bags in front of an apartment building. In two minutes the arms of Hector are covered with a kind of grain. Pastas I think, but I don’t want to observe it precisely. He definitely grabbed wrongly, didn’t look well enough through the bags before putting his hand in it. We find some food in a bag. Milk that has expired a day ago and two small cups of yoghurt. A woman leaves the apartment building and stands still, two meters away from where we are checking her trash. She watches us from the corners of her eyes.
"She is really pretty," whispers Hector. She is blond and has beautiful pushed up tits and her belly is naked. There is a lot of paper in the garbage, white paper, the best you can find. The woman walks away, turns around and smiles to us. Maria, who has cirujeando the trash of another apartment building, comes with a full bag and her daughter on her arm. The cart gets filled quite well. We continue our way, three more buildings". Version española
"Comenzamos a cirujear algunas bolsas nuevas frente a un edificio de departamentos. En dos minutos los brazos de Héctor están cubiertos por una clase de semillas. Pastas, creo yo, pero no quiero observarlo detenidamente. Definitivamente agarró mal algo, no miró bien a través de las bolsas antes de meter su mano dentro. Encontramos algo de comida en una bolsa. Leche que se venció hace un día, y dos pequeñas copas de yogur. Una mujer sale del edificio y se queda quieta, a dos metros de donde estamos nosotros revisando la basura. Nos mira de reojo. "Es realmente bella", susurra Héctor. Es rubia y tiene hermosas y paradas tetas, y su panza está al descubierto. Hay un montón de papel en la basura, papel blanco, el mejor que se puede encontrar. La mujer se va, se da vuelta y nos sonríe.
María, que ha cirujeado la basura de otro edificio, viene con una bolsa llena y su hija entre brazos. El carro se llena bastante bien. Continuamos nuestro camino, tres edificios más". Más informacion:
- 1000 dreams . Relata los sueños de personas invidentes de China
- Holandaman . El sentimiento de racismo por cuestiones de etnia religion o simplemente costumbres de los "nuevos holandeses". -Subastan en Europa objetos que fueron recogidos por cartonero, del Tren Blanco , a un moderno museo holandés.
-Matthijs de Bruijne multimedia installations are often a reflection of anthropological research, in which encounters and exchanges based on the principle of reciprocity form the basis.
-Disclosures V presents El Comedor (the soup kitchen): a work that Matthijs de Bruijne (NL, 1967) recently made in Argentina. In 2001 De Bruijne first visited this country, originally with the goal to examine similarities between Buenos Aires and his home base Amsterdam based on meetings with Argentineans.
Imágenes:
El "dibujo naïf".
El folleto de LIQUIDACION.ORG en español.
2 Fotografias en Blanco y negro de el comedor.
Billete para el tren blanco.
Publicado por: ierroc
8/11/2007 Dentro Fuera Extraño de Malús Arbide"Mira hasta lo que veas.
Unas manos muestran un objeto desconocido colgando de un cable; quien nos lo enseña quiere pasar inadvertido, como para enfatizar aún más la singularidad de lo que muestra; lo contrario de esas fotos de pescadores con su pieza: no sabes que mirar, si al besugo de seis kilos o al depredador que posa sonriente sosteniendola en alto.
¿y cual es el objeto que muestra? Una configuración geométrica dispuesta uniformemente por la superficie, como las miniaturas celtas, los entrelazados árabes o las taraceas del Renacimiento, pero tambien como la decoración de Matisse o la geometría de Ellswoth Kelly, los pattern textiles o los fractales que nos desvelan el orden oculto de la materia. En definitiva, muestran la continuada fascinacion de mirar; mirar como preámbulo a ver, al deseo de ver que nunca concluye.
En la muestra Dentro Fuera Extraño hay tecnología y pasión, arte y diseño, pero no como extremos, sino como sinonimos. Como continuidad de un lenguaje que reivindica su centro en la cultura visual; la pasión de una tecnología que quiere revelarse con otros ojos, en los objetos, y que necesita la participación de quien lo mira, esa pasión añadida al acto de estar presente y activo.
En la muestra hay camisas y hologramas, átomos y laberintos, tinta electrónica y retos visuales. Retos, pero ninguna trampa. El reto es el de una mirada activa en busca de un espectador curioso. Malús Arbide quiere poner un poco de inquietud en nuestra vida ¿Que significa todo esto que hay aqui? Significa solo que has estado allí mirando y la artista te ha colocado ante la responsabilidad de tu mirada, ante tu cita con el placer".
El texto que acompaña a la exposición escrito por:
Francisco Javier San Martin.
Historiador, crítico de Arte y Profesor de Historia del Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad del Pais Vasco.
7/14/2007 Artur Zmijewski, Arte para el cambio social, en Documenta 12,
En 1492, cuando Cristobal Colon conquistó America, volvió a España con un grupo de indígenas a los que habia adiestrado para cantar en latin, como un símbolo de la colonización y rendición de los americanos… Unos siglos más tarde Artur Zmijewski nos propone un video muy parecido, como ejemplo de la situacion actual entre personas sordas y oyentes.
Artur Zmijewski (Varsovia, Polonia, 1966) muestra un vídeo en el que el artista ha grabado a una coral cantando en una iglesia. La sorpresa ocurre cuando el espectador percibe que los cantores son sordomudos y que con un gran esfuerzo consiguen entonar la melodía. Ese esfuerzo nos sorprende y conmociona profundamente.¿Cómo puede usted explicar a Bach a alguien que no puede enterarse? Con este de vídeo Zmijewski nos presenta a un grupo de sordos e hipoacúsicos de Varsovia y de Leipzig cantando unas piezas de Bach. Los jovenes hacen algo que ellos generalmente no hacen: están cantando. En su tentativa de vocalizar los textos, que continuamente los evaden, su canto desafinado tiene éxito en la confirmación de su ser frágil. Este juego es la aceptación de una derrota.
Actualmente los sordos viven en una sociedad dominada por los oyentes, que imponen sus normas, la oralidad y la estimulacion sonora; frente un sistema educativo y de comunicación basados en una cultura visual: La lengua de signos, La dactilología, el lenguaje bimodal, la expresion escrita, el lenguaje no verbal...
El jueves 28 de junio de 2007 el pleno del Congreso de los Diputados ha aprobado por
unanimidad la ley que reconoce la lengua de signos española . "...Estamos ante un logro histórico importante que cambiará, para siempre y para bien, la vida de todas las personas sordas. Las barreras que nos han impedido el acceso a la educación, la cultura, a todos los bienes y servicios de la sociedad, empiezan a ser derribadas. Además la ley contempla el acceso de las personas sordas a los medios técnicos que facilitan la comunicación. Con esta aprobación el Congreso ha dado el primer paso hacia el definitivo reconocimiento de nuestra lengua y de nuestra realidad bilingüe ". XV Congreso de la Federacion Mundial de las Personas Sordas. .....
Otras obras de Zmijewski:
Cita
YouTube - Artur Żmijewski - Them [part 1] "Ellos" (2007) en el Kulturzentrum Schlachthofes para la documenta de Kassel 12, es otra vez, un experimento social.
los representantes de grupos sociales contrarios, de este taller son lanzados juntos. Los grupos representan varias opiniones y actitudes: hay católicos conservadores, patrióticos, fascistas, socialistas de izquierdas, demócratas, trabajadores por la libertad. Cada uno de ellos solicita arreglar un centro simbólico: una iglesia, un parlamento o monumento a un líder. Los carteles son tachados por pintadas. Incluso algunos de ellos son incendiados...(fotografías abajo)
El espacio proporcionado a los participantes para organizarse es demasiado pequeño, forzándolos a actuar recíprocamente, luchar o retirarse. Así los participantes reciben la oportunidad de comparar y hablar de sus posiciones. La situación constituye un estudio social.
"Sumar y restar" fotografias de A. Zmijeski, explora la problemática de las relaciones interpersonales y de la experiencia humana en todas sus dimensiones, mediante el trabajo con personas discapacitadas. (fotografia abajo)
"Repetition" Na obra, que remete com
ironia aos reality shows, Zmijewski contrata poloneses desempregados para atuar como guardas e prisioneiros de uma cadeia simulada – e documenta, ao longo de sete dias, reações e relações que se aproximam rapidamente de um limite incontrolável de tensão. Experimento en la prision de Standford. (fotografia en Blanco y negro) Publicado por: ierroc
Las fotografias son de Documenta 12 y de Artur Zmiejwski.
Version française
Artur Zmijewski (Varsovie, la Pologne, 1966) montre un vidéo dans lequel l'artiste a gravé à un choral en chantant dans une église. La surprise arrive quand le spectateur perçoit que les chanteurs sont sourds - muets et qu'avec un grand effort ils réussissent à entonner la mélodie. Cet effort nous surprend et conmocionne profondément. Comment pouvez-vous expliquer Bach à quelqu'un qui ne peut pas écouter? il nous présente à un groupe de sourds de Varsovie et de Leipzig en chantant quelques pièces de Bach. Les jeunes hommes font quelque chose qu'ils ne font pas en général : ils chantent. Dans sa tentative, de vocaliser les textes, qui les fuient continuellement, son chant détonné a un succès dans la confirmation de son être fragile. Ce jeu est l'acceptation d'un échec. Actuellement les sourds vivent dans une société dominée par les auditeurs, qui imposent ses normes, l'oralité et la stimulation sonore; un front un système éducatif et d'une communication basés sur une culture visuelle, la culture des sourds.
D´autres oeuvres de Zmjewski les fotos en bas:
"Ils"(2007) dans le Kulturzentrum Schlachthofes pour elle documente de Kassel 12, il est de nouveau, une expérience sociale. les représentants de groupes sociaux contrariés, de cet atelier sont lancés ensemble. Chaqu'un d 'eux solicite de regler un centre symbolique : une église, un parlement ou un monument à un leader.
"Sumer et rester".
"Repetition".
6/2/2007 Ferran Adria en la 12ª Documenta de KasselVersion española
Ferran Adrià, "el mejor cocinero del mundo" ha sido invitado junto a Ibon Aranberri para representar a España en la 12ª Documenta de Kassel. la mayor exposición de Arte Contemporáneo del mundo.
¿Arte para todos?
Actualmente la revolucion que estamos viendo en el mundo de la cocina nos enseña que las técnicas están cambiando, evolucionando, pero este nuevo gusto por la experimentación tiene un comienzo...Crear no es copiar, es hacerlo antes.
Lo que realmente diferencia a Ferrran Adria de otros cocineros es el concepto de creatividad y el de memoria, ampliamente documentado en los 7 tomos del "Catalogo general de El Bulli".
Forma, color, volumen, textura, soporte, composición, inspiración, experimentación, descomposición, concepto, contexto, memoria, naturalismo, minimalismo, abstracción, deconstrución, contaminación…
Todas estas palabras, presentes en la obra y en la filosofia de Ferran Adrià, parecen sacadas de un libro de Arte y han pasado a formar parte del vocabulario de la Cocina, muy difundido por los medios de comunicación.
"Ravioli sfericode guisantes y ensalada de guisantes a la menta".
combinacion de color y sabor verde inspirada en la forma del guisante.
Comida envasada en tubo; el envase preferido por la pintura, haciendo
referencia al producto envasado de Piero Manzoni "Merde d'artiste".
"Spaguetto de parmesano". Avant postre, año 2003. un unico espaguetti dibuja en el plato.
Reconocemos tambien referencias concretas a Historia del Arte del siglo XX, a traves de sus recetas: a Gaudi en "Crocant-Gaudi", receta del año 1998; a la "rosa meditaviva" de Dali, en "Rosa de remolacha con sorbete concentrado de mandariana y almendra" del año 2004;
"Crocant-Gaudi". Pequeñas locuras, año 1998.
Mosaico de Gaudi realizado con recortes de azulejos.
"Rosa de remolacha con sorbete concentrado de mandariana y almendra".
Postre, año 2004.
"Rosa Meditativa" de Dali
...a la Cruz de Tapies, en "Homenaje a Tapies" del año 2004; a la "composición con gris cafe claro" de Mondrian, en "pastilla helada de whisky sour de fruta de la pasion";
"Homenaje a Tapies". Postre, año 2004.
Cruz de Tapies.
"pastilla helada de whisky sour de fruta de la pasion". Coctel, año 2001.
"Composicion con gris café claro" Mondrian.
a "aire de Paris" de Marcel Duchamp, en "elBulliaire" de 2004 o en el "agua de bienvenida a la vainilla-el bulli"; al "pop art", de Andy Warhol, en "The soup" la sopa de Letras... "agua de bienvenida a la vainilla-el bulli". Coctel, año 2003.
"Aire de paris" Marcel Duchamp 1958.
"elBulliaire".
"The soup". No es una sopa es un Postre, año 2004.
la sopa Campbells de Andy Warhold, tampoco es una sopa, es un cuadro.
Esta claro que hay un conocimiento, y una evolucion paralela a la del Arte Contemporáneo, asimilando los nuevos conceptos; pero es a través de la experiencia individual, que podemos valorar si hay "placer estético". Este "placer" del que habla Hegel en "Lecciones sobre Estética" unido al "sexto sentido", el sentido del humor, para Adrià; es el mejor vehículo para la comunicación, para transformar la experiencia indivual en experiencia colectiva.
¡Arte para todos! Ferran Adrià es artista y estaremos encantados de disfrutarlo.
Articulo de "el pais"
temas relacionados:
los metodos creativos de "el bulli" ¿la cocina es museable? Esta muestra se vio en al Centre Pompìdou de Paris en 2005, actualmente está en de Dietrich Gallerie de Bilbao.
El critico Arte Javier San Martin: "El individualismo en el Arte". "el arte es sólo para un 3% de la poblacion..." en la conferencia para la Cátedra Jorge Oteiza.
El mejor cocinero del mundo guarda el secreto de lo que presentará en Kassel. MACBA.
"Mar de los Pirineos" de Ibon Aranberri (abajo en el blog).
"El Bulli será un pabellon de la Documenta" publicado por el Pais el 14 de Junio de 2007(ver recorte de prensa abajo).
Publicado por: ierroc
English version:
Ferran Adria,the world´s greatest chef, and Ibon Aranberri have been invited to represent Spain in the twelfth Documenta art show in Kassel, the world´s most important exhibition of Contemporary Art.
Art for everybody? It is obvious that parallel to Contemporary Art´s evolution there is a knowledge and an evolution assimilating all the new concepts; but we can only assess if there is "aesthetical pleasure" through individual experience. This "pleasure" discussed by Hegel in "Lectures on Aesthetics" linked to the "sixth sense" - sense of humour for Adrià, is the best vehicle for communication, to transform the individual experience into a collective experience. Traducción: Ana Roncal Fotografias de Françesc Guillaumet para "el Bulli": 5/26/2007 Javier Perez, Jardin interior.
Javier Perez, Jardin interior. ( Informacion de las últimas exposiciones, haz clic en este link "Aria di capo" y "Objetos del deseo" ) Version Española En "jardin interior", el artista Javier Perez presenta la vision interior del cuerpo humano, como un paisaje. Preciosas formas orgánicas en vidrio rojo, espejos circulares en el suelo que multiplican manos, cabezas, venas... un paisaje para todos los sentidos, en el que el espectador se ve envuelto.
5/7/2007 DFOTO 2007, lo auténtico.En La Feria internacional de fotografía de San Sebastian DFOTO 2007, en el Kursaal, están los mejores artistas.
Lo he podido comprobar, buscando lo auténtico, lo que genera el cambio, la gota que desborda el vaso, "lo que crea", esa pequeña e insignificante diferencia, que es y puede ser lo fundamental. Estos cambios a veces están en las cosas más banales, las más superficiales e innecesarias. Otras veces, surgen cuando el caos ha destruido todo ya, es decir de la nada.
De entre todas esas "Obras de Arte", que han salido de la nada, o de las cenizas de algo:
-La caja negra de "Proyecto Juarez" en "Ciudad Juarez"de Gillaume Herbaut para Paul Frèches.
-Las ruinosas contrucciones "escena 21"de Giacomo Costa en Clairefontaine y en Les filles du calvaire.
-El producto envuelto para el traslado con las fotos de la decadencia del "Camping mar de los Pirineos" de Ibon Aranberri (en albun de fotos) o "el cuadro habitado" de Miren Doiz (en albun de fotos) en la Galeria de Pamplona.
-El paisaje nublado de Hans-Christian Schink, en Stefan Röpke.
-Las bibliotecas de Candida Höfer en Fucares.
-Las fotografias de Joan Fontcuberta y la movida Madrileña en el "Club Rokcola" en la Espai Visor.
-La globalizacion en "Barcelona, Dallas, Dubai" de Ester Partegàs.
-O los momentos de Kate Moss por Corine Day.
Sin duda es el poder de lo auténtico lo que nos atrae,y los artistas tienen el poder de crear nuevas realidades.
En DFOTO OFF:
-El II Premio internacional de Fotografia Pilar Citoler para 1º premio para Begoña Zubero y segundo premio para Richard Billingham, de la Fábrica Galeria.
-Exposicion de Jose Ramon Amondaráin "Sin Fin, islaren isla" en Koldo Mitxelena. En albun de fotos.
-"Versus" de Kyungwoo Chun en la Galeria Arteko, una performance a cerca de las relaciones humanas y el concepto del tiempo.
Publicado por: ierroc
5/1/2007 Ken LumEl nuevo Centro de Arte Contemporáneo de Huarte (Navarra) presenta la obra de Ken Lum.
Ken Lum es un artista visual Canadiense, que presta especial atencion a la cultura de la calle, la pérdida de identidad de los individuos frente a la globalizacion. Los retratos que nos presenta el artista van acompañados de textos que expresan los sentimientos íntimos de los retratados:
"You don't love me", "What is Daddy?", "Waht l am doing here?" y "Oh god, l'm Sorry"
Publicado por: ierroc
4/23/2007 Kara Walker, "African't"."African't" de Kara Walker, en el nuevo Centro de Arte Contemporáneo de Huarte-Pamplona. Hay tres temas principales en sus obras: raza, género, y la sexualidad. las figuras silueteadas, a modo de sombras chinas proyectadas en la pared , se mezclan con las sombras de los espectadores que las contemplan. Walker utiliza el medio tradicionalmente Victoriano de recortar las siluetas directamente en las paredes de la galería, creando un espacio teatral en el cual sus personajes rebeldes de papel recortado se utilizan, molestan, tocan, comen...e infligen la violencia el uno al otro. Sus obras se desarrolan en el entorno de idílico de una granja sureña. Entre el realismo histórico de esclavitud y la estética fantástica de la novela romántica, las pesadillas de Walker simultáneamente seducen e implican a la audiencia.
El libro Safety Curtain.
Entrevista para Art21.
En Art on Call.
Version Française
Kara Walker, la Californie en 1969.
"African't" de Kara Walker, au nouveau Centre d'Art Contemporain de Huarte-Pamplona. Il y a trois sujets principaux dans ses oeuvres : la race, le genre, et la sexualité. les figures coupées, en manière des ombres chinoises projetées dans le mur, sont mêlées par les ombres des spectateurs qui les contemplent. Walker utilise le milieu traditionnellement Victorien de découper les silhouettes directement dans les murs de la galerie, en créant un espace théâtral dans lequel ses personnages rebelles de papier découpé sont utilisés, ils gênent, frappent, mangent ... et ils infligent la violence l'un à l'autre. Ses oeuvres desarrolan dans l'environnement d'idyllique d'une ferme méridionale. Entre le réalisme historique d'esclavage et l'esthétique fantastique de la nouvelle romantique, les cauchemars de Walker séduisent simultanément et impliquent à l'audience. Publicado por: ierroc 4/3/2007 Gert Voor in T'holt. "Trakt", "Bounding Box", "C-Ligths", "Nigthvision".
Exposición de fotografia en Erro: Gert Voor in t'Holt: "Trakt" ", Nigthvision", "C-Ligths". Desde sus comienzos en las primeras exposiciones en Ámsterdam hay un denominador común en toda su obra: la representación del espacio. Las fotografías son el resultado de un trabajo llevado a cabo en el estudio. Escenificaciones, montajes efímeros, una iluminación que da una sensación de nocturnidad...... lo real se convierte en artificio y el artificio en realidad.La atención se centra en los ambientes urbanos y su relación con el individuo que los habita. Este tema junto con otros de índole existencial constituyen el Leitmotiv de todo su trabajo. Colecciones:
Ayuntamiento de Vitoria
Osakidetza
Banco Central Hispano
Publicaciones:
Actualmente realiza las fotografías de arquitectura del edificio para el nuevo catalogo del Museo Artium de Vitoria.
Catalogo: "la ciudad latente".
Contacto Gert Voor in T'Holt
Publicado por: ierroc
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